Выполнение упражнений по живописи

Пособие (акварель)

В пособии использованы фотографии работ учащихся Гомельского государственного художественного колледжа из архива Светланы Курашовой.

Аннотация

Данное пособие представляет собой выдержки из методической разработки автора, созданной на базе собственного двадцатилетнего педагогического опыта работы в художественном колледже и основывается на традиционной методике обучения акварельной живописи.

Методика преподавания акварельной живописи очень близка автору как художнику-акварелисту. Пособие сопровождается иллюстрациями работ учащихся, фотографиями процесса акварельного письма и работами автора разработки.
Преподавание акварельной живописи имеет свои особенности, начиная с положения мольберта, включая ведение процесса от светлого к темному и заканчивая рядом специфических технических приемов, невозможных ни в какой другой живописной технике.

В данном пособии автор, избегая подробного описания процесса работы над каждым программным заданием, останавливается именно на тех специфических моментах, которые касаются:

  • очень важных первых шагов в овладении навыкам работы акварелью;
  • специфики работы по курсу акварельной живописи именно в художественном колледже;
  • разработанной на основании собственного опыта системе домашних заданий по всему годичному курсу акварельной живописи.

Основной вид учебного задания по живописи – длительный этюд с натуры. Задачи учебных постановок даны в определенной последовательности и имеют тенденцию постоянного усложнения. Задачи каждой постановки ставятся особо.
В начале обучения важно акцентировать внимание учащихся на развитии культуры широкого живописного видения натуры, чувстве красоты и гармонии цвета, непосредственности его восприятия, практическом умении работать над цветовыми и тоновыми отношениями, целостности понимания натуры и этюда.

Очень часто приходится слышать на первом занятии «А я никогда не использовал акварельные краски, а только слышал, что акварель очень сложная техника». Да, действительно, акварель, как водяная краска обладает всеми свойствами водяной стихии. Она может быть своенравной и непредсказуемой. Но если изучить и полюбить ее свойства и особенности, то этот древнейший материал может покориться воле художника и стать его союзником.

Упражнение «заливка».

Упражнение «растяжка».

Далее следует предложить упражнения на «растяжку» цвета от насыщенного до почти белого цвета бумаги и наоборот от воды до насыщенного раствора.

Упражнение «впайка» цвета в цвет.

Следующим является упражнение на «впайку» цвета в цвет. Здесь уместно предложить учащимся одновременно попрактиковаться в какой-нибудь определенной гамме (теплой или холодной).

Упражнение на увеличение плотности красочного слоя.

Затем берем один из высохших прямоугольников на которых тренировались делать равномерную заливку и поделив его на 4 части добиваемся большей плотности красочного слоя не сгущая раствор краски, а лессируя тонким слоем поверх сделанных.

Упражнения «мазки».

Далее покрываем сухой лист бумаги отдельными мазками большой кистью слегка захватывая соседние участки.

Затем покрываем сухой лист прозрачными мазками оставляя незакрашенными маленькие участки белой бумаги.

В акварельной технике существует много разных техник и приемов. Но стоит ли браться за них, не закрепив базовые знания практической работой. Впрочем, чтобы Вам было интереснее работать, можно попробовать применение парафина и эффект соли.

Упражнение «соль».

На еще влажный участок акварели мы сыпем соль. (можно использовать соль как мелкого, так и крупного помола)

Упражнения «парафин».

Те участки бумаги, которые мы хотим оставить незакрашенными, мы покрываем парафином. Далее наносим акварель прямо поверх парафинового рисунка.

Выполненных упражнений уже достаточно, что бы перейти к простейшим этюдам.

Выполнение первых этюдов акварелью

В качестве натуры подходят любые обычные овощи и фрукты: яблоки, груши, свекла, огурцы, томаты, капуста и т.д.
Задача: передать цвето-тональные отношения, «пролепить» объем предметов цветом, учитывая фон и падающую тень.
Поскольку мы отталкиваемся от того, что вы имеете понятие о способах передачи объема предметов, обратите внимание на характер освещения, на разницу между светом и тенью, на присутствии рефлексов.

Читайте также:  Держать планку упражнение для чего оно нужно

Характерные ошибки при написании этюдов:

  • работа от контура;
  • вялость тоновых отношений;
  • использование «открытых» цветов;
  • отсутствие связи с фоном.

Натюрмортные постановки организуют сначала из небольшого количества предметов несложных по форме, выразительных по цвету, на однотонных драпировках, подчеркивающих выразительность предметов. Другими словами – от простого к сложному.

На начальной стадии обучения без твердых знаний о закономерностях распределения светотени и навыков тонального рисунка вам будет трудно убедительно передать цветом общую форму и материальность предметов, поэтому необходимо уделять серьезное внимание подготовительному рисунку и тщательно строить формы предметов.

Имеет смысл первые этюды поделать в технике «гризайль». Это поможет решить ряд вопросов проработки тона, светотени и пространства.

В идеале натурные постановки должны ставить педагоги в определенной последовательности. Каждая постановка должна содержать определенные учебные задачи. Усложнение установок должно идти не по линии увеличения количества предметов, а по пути повышения требований в вопросах передачи формы, колорита, световоздушного пространства.

При работе над подготовительным рисунком может несколько нарушаться структура и белизна акварельной бумаги, на которой планируется вести основную работу. Поэтому при работе акварелью практикуется перенесение подготовительного рисунка с отдельного листа на основной формат.

Следует сказать, что акварель считается достаточно сложной техникой и это имеет свои основания.

  • Во-первых: в акварели не используются белила, их роль играет белизна бумаги и прозрачность красочных слоев;
  • Во-вторых: исправления не всегда возможны, так как красочный слой достаточно прочно удерживается бумагой;
  • В третьих: бумага, даже самого высокого качества имеет свой «предел терпения». Работу достаточно легко «замучить» лишними перекрытиями цвета.

Тем не менее, в акварели возможны и исправления, и доработки, а трудности компенсируются ее неповторимыми свойствами, которыми не обладает больше не один живописный материал.

Как правило, на первых постановках вполне естественен следующий вопрос: с чего начинать работу?

Нужно сказать, что с одной стороны последовательность работы может быть индивидуальной, а с другой – необходимо сразу вырабатывать профессиональный подход к началу работы. Начинать работу следует с поиска основных цветовых отношений. Обычно колорит картины определяется сочетанием 2-3 основных цветовых пятен, которые обогащаются своими оттенками и сочетаются с другими.

Одно из отличий акварели от гуашевой и масляной живописи в том, что работу ведут от светлого к темному. Кроме того стоит всегда найти возможность оставить в работе белое, незаписанное пятно, передающее максимальную силу света, идущую с белого листа бумаги.

На практике многие на первых порах начинают работу с фоновых пятен дальнего плана, опасаясь испортить более важные участки работы. Этому не стоит препятствовать, так как вырабатывание навыков широкого, обобщенного письма, мягкого соединения пятен тоже необходимо. Здесь можно работать широкими заливками, используя растяжку цвета, впайку цвета в цвет, и можно попробовать работать «A La Prima», размочив большой кистью необходимый для работы участок. Так как с дальними планами начинающие работают более смело, не так боятся испортить, то данные навыки обычно легко осваиваются.

К ближним планам постановки следует использовать другой подход. Здесь необходима детализация, обострение контрастов, убедительная проработка формы предметов и складок. Способ работы здесь рекомендуется по сухой поверхности листа, небольшими заливками или мазками по форме. Некоторые навыки уже приобретены в процессе выполнения первых этюдов.

Большое значение имеют наглядные пособия, без которых обучение предметам художественного цикла немыслимо. Тут можно порекомендовать следующее:

  • Акварели Михаила Врубеля
  • Посмотреть ряд профессиональных печатных изданий по современной акварели.
  • Изучить работы, участвующие в крупнейших акварельных выставках. В масштабе Беларуси – это Биеннале “Вада + Фарба”, в мировом масштабе – ярмарка SALON DE L’Aquarelle-de Belgique
Читайте также:  Система упражнений после родов

Учебные (аудиторные) и домашние работы, выполняемые студентами в процессе обучения акварельной живописи:

Задание №1. Этюд осеннего натюрморта из двух-трех предметов.

Источник

5 упражнений для начинающего художника, которые поднимут скилл.

Первое упражнение это – копирование. Дело в том, что у каждого человека на самом деле есть свой индивидуальный почерк, просто из-за неуверенности и неотработанности действий, недостатка опыта, этот почерк скрыт. Если вы видите у какого-то художника работу, которая вам нравится или элемент, то вы смело можете это скопировать. Главное делать это с умом, понимая каждое ваше действие. Если вы будете копировать бездумно, то это принесёт не так много пользы. Это упражнение полезно для поиска вашего стиля и почерка, так как у профессиональных художников уже есть готовые решения, которым вы и будете следовать в процессе копирования. Также помимо этого это хорошо оттачивает ваш скилл.

Например сейчас я учусь рисовать всякие штуки около гейм-дизайн, чтобы понять, что вообще требуется для этой среды, как делать это красиво. Я нашла картинку из игры на Pinterest, которая мне понравилась и скопировала её. Вот что у меня вышло.

Полезно делать пару копий, а потом что-то своё. Мне очень нравится данное упражнение.

Пленэр – это практическая работа на природе. На пленэре формируется мировоззрение художника, острота зрения, чувство цвета. Эта практика является закреплением полученных теоретических знаний художника, а также развивает его. Помимо всего вышеперечисленного я бы назвала пленэр своего рода медитацией. Ты сливаешься с природой, пытаешься изобразить её, так, как чувствуешь.

Это очень крутая практика как и в плане развития скилла, так и в плане балансировки ментального состояния.

Ещё одна крайне полезная практика. Ежедневные быстрые наброски чего угодно. Они развивают глазомер и очень хорошо набивают руку, со временем линии становятся гораздо более отточенными и другие ваши работы вы начнёте делать гораздо быстрее и обдуманнее. Также если вы делаете быстрые наброски ежедневно это развивает в вас творческую дисциплину. В любом занятии главное – это регулярность. Только в этом случае вы можете ожидать успеха.

Следующие два упражнения я нашла на канале SG Speak, я уже пробовала их сама и продолжу их выполнять.

Здесь речь опять же сводится к наброскам. Суть упражнения состоит в том, чтобы нарисовать очень много набросков своего персонажа с различными эмоциями на лице. Также можно нарисовать его в разнообразных позах.

Совсем недавно я перерисовала свою старую работу с 2017 года. С удовольствием бы вставила её, но мне она уже не нравится. Пусть времени прошёл месяц, но я уже сейчас замечаю в ней много ошибок, которые сейчас бы не сделала, к тому же у меня уже успел поменяться стиль. На тот момент, когда я рисовала эту работу, я была в шоке от результата. Это очень крутое упражнение для отслеживания прогресса и отработки ошибок.

Если понравилась статья, подписывайся на мой канал РИСОВАКА .

А также ставь лайк и поделись полезными упражнениями, которые знаешь👇

Источник

Преподавание рисунка, живописи, композиции. Инструктивно-практический метод

Представьте, что тренер по фигурному катанию обучает воспитанников как учитель математики — все сидят и пишут в тетрадях о том, как нужно выступать на льду. И, хотя я ничего не смыслю в фигурном катании и математике, совершенно очевидно, что такой способ преподавания выглядит по меньшей мере комично. Подобным образом будет выглядеть и преподавание рисунка или живописи, если не учитывать их специфику.

Читайте также:  Упражнения для носа с большим кончиком

Конечно, обучение изобразительному искусству подразумевает как теоретические дисциплины, так и практические занятия. Но практические занятия рисунком, живописью и композицией считаются основными предметами, а теоретические — неотъемлемым дополнением. Почему так? Потому что наличие теоретических знаний и умение их применять — это разные вещи. Причем на развитие второго нужно больше времени. Здесь необходимо иметь практические навыки — а это и мышечная память, и понимание, и умение анализировать, и умение по-особому видеть натуру… Например художники, которые забросили творчество и долгое время не практикуют, могут столкнуться с такой проблемой: умом они всё понимают, а рука не слушает.

Среди теоретических дисциплин, помогающих обучению живописи, можно перечислить такие: цветоведение, перспектива, пластическая анатомия, технология живописи… Конечно, кто-то может сказать, что и эти учебные предметы подразумевают выполнение практических заданий и упражнений. Это так. Однако, конечная цель этих занятий заключается в усвоении теории, которая будет применяться художником в рисовании или практической работе над живописью.

Кроме вышеперечисленных дополнительных учебных предметов, для овладения искусством живописи очень большое значение имеют опыт и наработки конкретного художника-педагога, которые он передаёт учащимся в процессе их практической работы. Эти ценные знания содержат множество теоретических моментов. Однако, они тесно сопряжены с практикой. Поэтому художник-преподаватель делится ими по ходу выполнения студентами учебных заданий. Конечно, преподаватель может начать урок с обсуждения теории. Но это будет бесполезно без дальнейшей практической части занятия.

Поэтому в преподавании рисунка, живописи и композиции доминирующим способом является инструктивно-практический метод. Например, стоит натюрморт, стоит холст на мольберте, студент пишет этот натюрморт в соответствии со своим уровнем подготовки. В процессе работы преподаватель объясняет какие-либо аспекты, которые актуальны в отношении конкретного учащегося. Также преподаватель может поделиться своими наработками как с отдельным студентом, так и со всей группой. Здесь определяющим является индивидуальный подход. У одного учащегося может быть проблема с рефлексами в живописи. У другого отсутствует светотень на предметах. А у третьего — слабым местом является неправильно переданные пропорции. Проходя между мольбертами, преподаватель подмечает всё это и помогает каждому в преодолении его проблемы.

И здесь мы подходим к самому интересному. Как преподаватель помогает учащимся? Если он рисует за них — то это, как минимум тупиковый путь. Так он «поможет» им стоять на месте и профессионально не развиваться. Здесь художник-педагог должен объяснить теорию, разъяснить принцип, все «разложить по полочкам», обогатить свой рассказ простыми и понятными примерами. В каких-то случаях нужно и буквально взяться самому за кисть и что-то показать наглядно или что-то исправить в студенческой работе. Но степень этого вмешательства должна быть разумной, а лучше минимальной. В дополнение к вышеперечисленному, очень полезным оказывается анализ живописных произведений известных художников. Когда учащиеся видят как работают мастера и, более того, слышат как преподаватель объясняет суть на примере этих иллюстрации, то это раскрывает им глаза на многие вопросы.

Всё вышеперечисленное становится возможным посредством инструктивно-практического метода преподавания: ученик выполняет задание, преподаватель — помогает. Но для этого сам педагог должен уметь рисовать и иметь практический опыт. Чем лучше он владеет искусством живописи, тем лучше у него получится объяснить те или иные моменты другим. Но бывает и так, что преподаватель является очень талантливым художником, а объяснять материал другим ему сложно даётся. Поэтому здесь, конечно, важно и мастерство художника и методическое мышление. Но если эти качества соединяются воедино, то преподавание будет наиболее эффективным.

Источник

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Adblock
detector